Портрет императора Рудольфа II Габсбурга
	Ш.К. Дофен
	Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачева

 

 

 

Предлагаемые читателю заметки к выставке «Шедевры европейских мастеров XVII – начала XX века. От Говерта Флинка до Клода Моне» из собрания Иркутского областного художественного музея имени В.П. Сукачёва, открывшейся в Новосибирском государственном художественном музее в декабре 2018 года, представляют одно из самых интересных событий долголетнего выставочного проекта «Музеи России – Новосибирску».

Как и многие российские музеи ХХ века, Иркутский художественный музей основан на дореволюционном частном собрании – первой в Сибири картинной галерее Владимира Платоновича Сукачёва (1849 – 1920), городского головы Иркутска, благотворителя и мецената, председателя Восточно-Сибирского отдела Русского географического общества. Среди частных коллекций Иркутска именно сукачёвская картинная галерея русской живописи, с начала 1880-х годов открытая для свободного посещения, уже в то время могла стать основой для создания общедоступного городского музея.

Коллекция западноевропейского искусства начала формироваться с момента зарождения музея, а именно с 1920-х годов. Владимир Платонович, отдавая предпочтение русской живописи, в поездках по разным странам приобрел несколько полотен европейских художников XIX века, среди которых на выставке в Новосибирске представлены «Стадо на водопое» Л.Ф. Хофелиха, «Пешеходы» и «Пейзаж с козами» А. Тамма.

С 1920 года в картинную галерею (это название существовало вплоть до 1936 года – времени выделения художественного музея из состава краеведческого) вливаются произведения из государственных и общественных организаций, церквей и монастырей, от частных лиц Иркутска. Среди них встречаются и произведения европейских художников. Так, из бывшей мужской гимназии поступила работа Э.В. Дарие «Девочка с кошкой». В 1921 году Губернский отдел народного образования передал в музей картину XVIII столетия «Женщина с письмом» А. Пена. В 1925 году Борис Иванович Лебединский (известный сибирский художник, в то время хранитель картинной галереи) принял из Стройтреста полотна XIX века: «Куры (Птичий двор)» итальянца А. Торчи и «Дама с веером» французского салонного художника Г. Эрмонта, которые экспонировались в Иркутске на выставке французского искусства, организованной Жулем Рацковским в 1903 году. С этой же выставки происходят картины, подаренные в 1920-е годы Моисеем (Миней) Яковлевичем Лейбовичем (он принадлежал к известной купеческой династии, до революции владел типографией в Иркутске, а в советское время был почтовым служащим). От него в музей поступила «Царица бала (У окна)» француза Альберта де Ла Домбе.

	Утро в порту
	Ж. дю Плесси (Дюплесси)
	Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачева

 

 

 

В 1938 году существенными приобретениями стали картины из иркутской коллекции Николая Петровича Еракова (после его кончины они находились у его зятя Е.В. Даукшо). Из этой коллекции на выставке представлены произведения французских художников: два парных пейзажа «Утро в порту» и «Вечер в порту» Жоржа дю Плесси (Дюплесси), «Портрет императора Рудольфа II Габсбурга» Шарля Клодта Дофена, две женские головки Пьера Жозефа Дидри-Дорчи.

Но самым плодотворным в комплектовании музейного собрания западноевропейского искусства был период с 1960 по 1991 год. К этому времени относятся дары из московских коллекций Феликса Евгеньевича Вишневского (1902 – 1978), Валериана Вадимовича Величко (1874 – 1956), Юлия Владимировича Невзорова (1913 – 2010) – это более двух тысяч произведений художников России, стран Западной Европы и Востока. В этом замечательном потоке дарения безусловная заслуга Алексея Дементьевича Фатьянова, отдавшего музею более пятидесяти лет своей жизни. «Говорить об А.Д. Фатьянове общеизвестные вещи в том роде, что он горячий патриот своего города и края, строгий ценитель и вдохновенный пропагандист искусства, его чернорабочий и ученый, – мало: по отношению к нему все эти понятия надо возводить в степень и в особое, совсем не общего свойства, качество», – писал В.Г. Распутин [1]. Близко знакомый с Ф.Е. Вишневским, Н.К. Величко, Ю.В. Невзоровым, А.Д. Фатьянов буквально околдовывал их своей преданностью музею и получал для него многочисленные ценнейшие произведения искусства.

Исключительная роль в формировании иркутской коллекции принадлежит известному московскому собирателю ХХ века Феликсу Евгеньевичу Вишневскому. Он подарил музею десятки картин европейских мастеров разных эпох и школ. На выставке можно увидеть следующие произведения из его коллекции: «Бегство евреев из Египта» неизвестного французского художника второй половины ХVIII века, «Игра в карты» (1863) чешского художника Эдуарда Штеффена, «Рождество (Мадонна с детьми)» неизвестного итальянского мастера XVIII столетия, «Благовещение» неизвестного немецкого художника ХVII века, «В погребке» (1871) немца Августа фон Вилле, «Эпизод из Франко-прусской войны» француза Поля Луи Нарцисса Гроллерона.

Николаю Кирилловичу Величко музей обязан представленными на выставке прекрасными полотнами «Пейзаж с быком» (1850-е) К. Тройона, «Сцена с читающим монахом и летающими чудовищами» неизвестного немецкого художника XVII века и двумя редкими в музеях России пастелями импрессионистов Клода Моне и Камиля Писсарро. Эти работы, как и коллекция в целом, принадлежали Валериану Вадимовичу Величко – врачу по профессии, «доктору», как называли его близкие. В Москве он был известен как страстный любитель и собиратель старинных вещей и произведений искусства. В конце жизни В.В. Величко завещал свою коллекцию племяннику, Николаю Кирилловичу, который с 1965 по 1991 год безвозмездно передал музею около двух тысяч произведений и редких книжных изданий.

* * *

	Всадник с быком. 1850-е
	К. Тройон
	Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачева

 

 

 

Самым ранним экспонатом выставки «Шедевры европейских мастеров XVII – начала XX века» стала картина Говерта Флинка «Пейзаж со стадом», поступившая в музей в 1960-е годы из Министерства культуры РСФСР. Этот художник Золотого века голландской живописи известен как портретист, мастер исторической картины. Реже в его творчестве встречаются пейзажи. Немецкий художник и историк искусств Иоахим ван Зандрарт, который посетил Голландию в 1637 году, назвал Флинка одним из лучших учеников Рембрандта.

Лидирующее положение в искусстве XIX столетия занимала Франция. Этот век в истории мировой живописи являлся, по определению Д.В. Сарабьянова, «французским». Работы французских живописцев на выставке отражают новейшие открытия, которыми эта школа щедро одарила мастеров многих европейских стран.

С французскими художниками середины XIX века – барбизонцами, основателями национальной школы пейзажной живописи (Barbison – название деревни близ Фонтенбло под Парижем), были тесно связаны Констан Тройон и Диас де ла Пенья, писавшие природу своей страны в самых разных ее уголках.

Широкую известность Констану Тройону принесли сельские виды, населенные стадами коров и овец и в равной мере отмеченные мастерством пейзажиста и анималиста. Такова картина «Всадник с быком» (1850-е). Типичный для Диаса де ла Пенья пейзаж «В Булонском лесу» с включенной в него человеческой фигурой отличается сияющим колоритом и особым интересом к передаче эффектов солнечного света, который пробивается сквозь густую листву.

Безусловное воздействие новейшей французской живописи испытали итальянские художники второй половины XIX – начала XX века, сохраняющие при этом национальное своеобразие в своем творчестве. Об этом свидетельствуют представленные на выставке «Пейзаж» Пьетро Торетти с видом на Неаполитанский залив, анималистическая картина «Куры (Птичий двор)» Анжело Торчи и «Женский портрет» болонского художника Джузеппе Маскарини. Портрет очаровывает прекрасно переданным первым впечатлением от натуры, спонтанным импульсом восхищения и характерной для художника живописной согласованностью тона.

Картины живописцев Германии XIX века – самые многочисленные на выставке. Немецкая школа этого столетия обладала неповторимыми чертами. Разнообразные по жанрам полотна немецких художников – пейзажи европейских стран и собственной страны, батальные и жанровые сцены, портреты и анималистические картины – отличают особая тщательность исполнения и точность воспроизведения натуры. Для мастеров, с творчеством которых знакомит выставка, реальность в самых различных своих проявлениях была единственной почвой и материалом для создания художественного образа.

	Женский портрет. 1907
	Дж. Маскарини
	Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачева

 

 

 

К середине XIX века в Германии окончательно складываются местные школы. Можно говорить о Дрезденской, Берлинской, Лейпцигской, Дюссельдорфской школах.  Знаменательно, что у мастеров Дюссельдорфа учились многие русские художники. Особо стоит отметить обучение в Дюссельдорфе И.И. Шишкина. Перед отъездом оттуда он показал выставку своих рисунков, которые поразили местных знатоков. Многие русские живописцы (И.Е. Репин, например) экспонировали свои работы на выставках в Германии или устраивали персональные выставки.

Пейзаж в Германии в это столетие развивался от строгой фиксации элементов природы до мягкого лиризма. Часто немецкие мастера предпочитают взгляд с возвышения, акцентируют передний план тонко выписанными деталями, понижают передний план ради достижения большей глубины перспективы, ограничивают сдержанную цветовую гамму немногими оттенками коричневого и зеленого. Как правило, они используют простые мотивы и неброские сюжеты. Таковы два великолепных пейзажа, трогающие своей непритязательной простотой, – «Пешеходы» и «Пейзаж с козами» (1883) Адольфа Тамма, живописца из Дрездена. С 1895 года он преподавал в Дрезденской Академии художеств, много путешествовал: объездил Францию, Швейцарию и Италию, был членом союза немецких художников в Риме.  Обе картины происходят из собрания В.П. Сукачёва. «Пейзаж с башней» (1877) Франца Эмиля Краузе типичен для творчества этого пейзажиста и мариниста, постоянного участника Берлинских академических выставок. Современники высоко ценили его виртуозное владение кистью, умение передать естественность композиции, хотя он работал в традициях академической живописи.

Картины «Стадо на водопое» Людвига Фридриха Хофелиха (из собрания В.П. Сукачёва) и «Полдень. Стадо на водопое» Иоганна Христиана Рейнгардта (дар Н.К. Величко) демонстрируют чрезвычайно распространенный сюжет в немецкой живописи XIX столетия. Людвиг Фридрих Хофелих в юности, будучи учеником живописца И.Г. Флегеля в Лейпциге, одновременно осваивал искусство гравюры. С 1859 по 1865 год работал ксилографом и посещал Академию художеств в Петербурге.  Позже занимался в Академии Лейпцига, а также – в Берлине, Дрездене, Зальцбурге, совершил поездки в Италию и Швейцарию. «Стадо на водопое» написано в мюнхенский, самый длительный период творчества художника. Легкая водная рябь, рассеянный солнечный свет, прозрачная чистота воздуха придают поэтичность этому сельскому пейзажу с домашними животными. Иоганн Христиан Рейнгардт также специализировался на изображениях коров, овец, то отдыхающих в тени деревьев, то переходящих ручьи, то пасущихся на лугу, часто варьируя центральную группу из нескольких коров. Он был талантливым пейзажистом и анималистом, прекрасно передавал освещение, атмосферу и повадки животных в естественной для них среде.

Жанровая живопись, часто проникнутая сентиментальностью, в Германии, а также Австрии, Чехии и других странах в XIX столетии обрела невиданную ранее актуальность. Многие жанристы работали в традициях бидермейера – стиля первых десятилетий XIX века (игра слов: «бравый господин Мейер» – от «бравый» и «Мейер»). Бидермейер начинался как течение немецкого романтизма, однако в чистом виде это искусство развивалось в противовес пышности и величию столичного ампира; в его основе лежит идея простоты и практичности, стремление к уюту и комфорту. Живописи бидермейера присуща выписанность мельчайших деталей («точь-в-точь как в жизни»); на первом месте здесь стоят незначительные бытовые подробности, показанные либо в юмористическом, либо в сентиментальном плане. Семейные сцены, портреты на фоне интерьера, сцены с детьми, вызывающие умиление, превратились в отдельный жанр живописи. Стиль возник как естественный отклик на стремление людей к спокойной и упорядоченной жизни после десятилетий революций и войн.

В картине Якоба Грюненвальда «Дети с белкой» оконный проем образует своего рода раму. Таков излюбленный прием, к которому нередко прибегали портретисты эпохи бидермейера. Обилие деталей, отличающее эту работу, также характеризует ее как образец этого стиля.

На картине «В погребке» (1871) Август фон Вилле помещает   опьяневшего старого бюргера в естественную обстановку полутемного погребка, что подтверждает каждая тщательно изображенная вещь. В этой работе ясно угадывается добродушная ирония типичного представителя бидермейера.

	Игра в карты. 1863
	Э. Штеффен
	Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачева

 

 

 

Чешскому художнику Эдуарду Штеффену, ученику Пражской Академии художеств, жанристу и мастеру натюрморта, последователю бидермейера, принадлежит картина «Игра в карты» (1863). В изображенной с юмором сценке в сапожной мастерской не стоит искать глубины характеров в образах привлекательных маленьких картежников. Тесная комната с болванками, инструментами, подиумом в центре и другими красноречивыми предметами быта служит мальчуганам-подмастерьям лишь фоном для игры «во взрослых». Выразительны их жесты, занимательны детали одежды: серьезен сорванец с трубкой и в хозяйской шляпе, азартно бросает карту второй. Рядом на столе – глиняный кувшин и стакан с вином.  Изображая подростков босыми, художник, вероятно, с добродушной иронией иллюстрирует народную мудрость – «сапожник без сапог».

К батальному жанру относится «Батальный этюд» (1843) немецкого художника Густава Шварца, поступивший в Иркутский художественный музей в 1956 году из Министерства культуры СССР. Хорошо известно, что со времен царствования Петра І на работу в Россию приезжало много европейских художников. Среди них были и выдающиеся мастера: К. Растрелли, Л. Каравакк, Э. Фальконе, Дж. Доу и другие.  К этому же кругу относится и Густав Шварц, хотя он не обладает таким громким именем. В 1850-е годы Россия активно готовилась к празднованию 50-летия победы над Наполеоном, и потому не удивляет обращение Г. Шварца к теме наполеоновских войн по заказу русского императора Николая І. Его «Батальный этюд» воспроизводит фрагмент битвы, где хорошо читаются ряды солдат армии. Над войсками видны белые облака дыма от взрывов бомб, покрывающие верхнюю часть холста. Можно предположить, что перед нами этюд для большого полотна. Была ли написана впоследствии сама картина, заказанная Шварцу, или нет, – сказать невозможно. Вместе с тем, совершенно очевидно, что это произведение демонстрирует нам тот огромный интерес, который был в русском обществе в середине ХІХ века и к этой войне, и к истории Франции времен Наполеона. 

Выставка знакомит зрителей с картинами художников салонного искусства. Этот термин получил распространение со второй половины XIX века и первоначально означал тип искусства, который поддерживался жюри парижского Салона, находил одобрение властей и признание буржуазной публики. Позднее термин стал нарицательным. 

Идеализация образов, искусственная экзальтация чувств, внешняя красивость, гладкость и элегантность манеры, занимательность сюжетов, присущие работам этих художников, облегчали восприятие картин неискушенной публикой. Однако их полотна отличаются высокой культурой формы и цвета, безупречным профессиональным мастерством, особого рода привлекательностью. Это наглядно демонстрируют картины известных мастеров салонного искусства, среди которых «Гарем» А. Бело и «Продавщица цветов» художника и искусствоведа Анри Валенси, портреты «Царица бала (У окна)» Альберта де Ла Домбе и «Дама с веером» Анри Эрмонта. Также к салонному искусству относится «Девочка с кошкой» художника-декоратора и портретиста из Мюнхена Эммы Вольсбергер Дарие.

В середине XIX века за место в Салонах разгорелась острая борьба между академическим жюри и художниками-романтиками во главе с Э. Делакруа, а затем Г. Курбе, Э. Мане и его молодыми друзьями – импрессионистами. В 1874 году группа молодых живописцев, среди которых были К. Моне и К. Писсарро, проигнорировав жюри официального Салона, устроила собственную выставку под названием «Анонимное кооперативное общество художников» на бульваре Капуцинок в помещении ателье Надара. Дата не была случайной. Через две недели открывался Салон, и художники не хотели, чтобы публика приняла их картины как отвергнутые. Всех их объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом в искусстве. Импрессионисты провели восемь выставок, последняя из них состоялась в 1886 году.

Суть нового метода живописи состояла в передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов на поверхности предметов раздельными мазками чистых красок, что зрительно растворяло форму в окружающей световоздушной среде. Живописи импрессионистов свойственна особая утонченность восприятия цветовых и тональных отношений.

	Девочка с кошкой
	Э.В. Дарие
	Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачева

 

 

 

Признанный лидер импрессионистов Клод Оскар Моне на рубеже XIX – XX веков, как и ранее, обращался к сериям картин на один и тот же мотив. Пастель «Чайки. Темза, парламент» из иркутского собрания создана уже стареющим художником в 1901 году как подготовительный этюд к одной из картин серии, посвященной Лондону (живописные работы он заканчивал уже в Живерни во Франции). Этот вид заинтересовал К. Моне в 1900 году, и до 1904 года он каждую зиму проводил в Лондоне, работая над серией «Чайки. Темза, парламент».

Изучая искусство К. Коро, К. Моне, О. Ренуара и примыкая к художникам-дивизионистам, Камиль Писсарро всегда был самым последовательным импрессионистом. Он единственный из них участвовал во всех восьми выставках этого течения. В 1890-е годы Писсарро, как и его друг К. Моне, увлекся созданием серий картин на один и тот же мотив, чаще всего – парижских улиц. К природе, как в замечательном пастельном «Пейзаже», показанном на выставке, он в это время обращался реже. Выраженные в нем мгновенные впечатления и мимолетные ощущения от изменчивого состояния летнего дня заставляют вспомнить раннее творчество художника. Наполненный влажным воздухом этюд, словно фейерверком, озарен всплесками открытых штрихов чистых и радостных по звучанию красок, которые делают неуловимыми для глаза контуры изображения.

Произведения итальянского импрессиониста Федерико Зандоменеги редко встречаются в музейных собраниях России На выставке представлен исполненный им портрет «Девушка с букетом цветов (В пору цветения)», подаренный музею московским коллекционером Ю.В. Невзоровым. Художник, более сорока лет проживший во Франции, работал практически во всех жанрах, писал портреты (особенно женские и детские), пейзажи, жанровые сцены, ню. Друживший с О. Ренуаром, Э. Мане, К. Моне, он все-таки не стал таким же известным, как они. Импрессионизм Зандоменеги сохраняет черты своеобразия итальянской живописи, а пылающая палитра и стилизация роднят его искусство с линейными ритмами и психологизмом раннего постимпрессионизма.

Романтическим настроением пронизан «Пейзаж с замком» неизвестного мастера, (Зуйдера ?), в котором прекрасная и безмятежная природа с замком вдали рождает особую  просветленность чувства.

На выставке представлена только небольшая часть собрания западноевропейского искусства Иркутского художественного музея, насчитывающего около трех тысяч произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства XVI – начала XXI века. Встреча с работами прославленных художников и не менее талантливых, но малоизвестных мастеров кисти погружает нас в мир непреходящих ценностей искусства.